¡BUENAS TARDES!
Si por algo se caracteriza el mes de
marzo es por la belleza que transmite el ocaso del invierno y sus bellos atardeceres y es un tiempo maravilloso, así que aprovechemos esta tregua que nos dan las temperaturas antes de que el
frío nos vuelva a visitar.
Esta semana toca una entrada cultural y ya que hace
tiempo que no hablo de cine pues hoy vengo con un
análisis fílmico, tratando unas de las que se han convertido en mis
películas predilectas desde que comencé a analizar en profundidad el cine
del Director Quentin Tarantino. Me estoy refiriendo en
cuestión a la saga Kill Bill y aprovechando que esta semana se
ha celebrado el Día de la Mujer, voy a analizar las distintas
perspectivas del significante mujer en su trayecto en busca de la identidad
femenina. Algo muy interesante y que deseo os interese tanto como a mi.
Kill Bill es una película asignada dentro de lo que denomina como cine neo noir, aunque también se
cataloga dentro de los géneros de acción y suspense. Escrita y dirigida por Tarantino, está dividida en dos partes, denominadas como volumen I y volumen II.
Ambas películas fueron bien recibidas por la crítica, muchos destacando su
estilo de dirección y su homenaje a géneros cinematográficos como las películas
de artes marciales, de samuráis, western, violencia, cine negro, entre otros.
La saga Kill Bill se encuadra dentro del cine
postmoderno, en el que se suelen coger citas y similitudes del cine clásico, a la vez que se actualizan las formas del lenguaje comúnmente aceptadas. La parodia es
una de las características más destacadas tanto del cine postmoderno como en
especial de los filmes realizados por Quentin Tarantino, es una
figura retórica y no tiene porque ser cómica, pero suele hacer
referencia a algún discurso narrativo clásico. El lenguaje es utilizado
como la capacidad simbólica que tiene el ser humano, lo que hace es someter lo
real a una organización o estructura. El cine entendido como reflejo
especular del imaginario colectivo. Está caracterizado por una gran
dosis de acción, aprovechando las nuevas tecnologías con
formas narrativas influenciadas por la televisión, los spots
publicitarios y los videoclips, convirtiendo así las más de las veces lo
accesorio en principal, con la consolidación de las artes marciales, las
películas de acción comerciales se apoderan del mercado.
Los estudios cinematográficos sobre este género de filmes, cine neo
noir también denominado cine negro postmoderno sitúan este arquetipo de mujer
guerrera como un rol tradicionalmente asignado a hombres y con un fuerte carácter
masculinista. Considero que la secuela de Kill Bill responde
a la cuestión humana de la identidad, la protagonista se cuestiona su propio yo
y su identidad femenina. Se muestra una representación simbólica del concepto
mujer. Centrándonos en la narrativa
audiovisual, el significante mujer tiene como hecho destacado el que la mujer sea el
sujeto de la acción que conduce el relato en todo momento, la mujer se
convierte en sujeto de la acción de una trama femenina. Ella es la
aspirante a heroína de la historia y a través de su trayecto de investigación
llega al objeto último que es resolver una crisis de identidad.
Ya que el comportamiento del
personaje tanto como los deseos o aspiraciones que lo motivan, estructura un
discurso ideológico coherente acerca del triunfo social, de la sexualidad, de
la mujer, de la venganza. No solamente se
estudia el significante mujer en la protagonista, sino que hay tres mujeres más
que tienen gran predominio en el relato fílmico y que se van a relacionar con
la búsqueda identitaria de la mujer protagonista.
La protagonista resuelve su crisis de
identidad a través del viaje que inicia una vez despierta del coma de cuatro años y se da cuenta de que ha perdido a su bebé, así que
comienza un viaje vital que le ayudará a conocerse a sí misma y a
descubrir su identidad femenina, como mujer y como madre.
Su trayecto en busca de su identidad
femenina se simboliza en su objeto de deseo que es el amor –personalizado por Bill- y el ser madre –la pérdida de su
bebé-. Así comienza un viaje caracterizado por una implacable venganza y el
deseo de reencontrarse con su amor –ahora odiado- para poder acabar con su
agonía. Pero finalmente acabará con su amor terrenal hacia un hombre y
recuperará a lo que tanto anhelaba y su verdadero objeto de deseo, que
es su bebé, su hija y que siempre le recordará al que fue el amor de su vida –Bill-.
El objeto de deseo de la mujer
protagonista es sin duda Bill, que es su máximo
objetivo dentro de la implacable venganza que lleva a cabo, pero no solo en
plano vengativo y criminal, sino que también es su deseo, porque es el amor de
su vida, el que la ha enseñado, el padre que no ha tenido, es un amor
idealizado y puro, por el que hubiera dado incluso su vida. A lo largo del
relato veremos como la mujer protagonista irá teniendo también otros
objetos de deseo, como la catana de su maestro Hatori Hanzom, los
distintos objetivos con los que desea encontrarse y poderse vengar, las
enseñanzas de su maestro Pai Mei y por supuesto el otro objeto
de deseo que será el mayor junto con Bill, será su bebé y que
hace que se equilibren en una balanza –Bill en el lado malo y su
hija en el lado bueno- ella está en medio y vela por lo dos.
Amaba a su hija, aún antes de tenerla,
era la parte buena de Bill, lo que siempre quedará de él, la pequeña hace que
se dé cuenta de que quiere cambiar su vida y en el fondo sea el embarazo y las
nefastas consecuencias, las que hacen que en su venganza, ella emprenda el
viaje, que le cambiará su vida, que inicie su trayecto de investigación para
llegar hasta Bill, que ejecute su venganza y a la vez vaya
borrando todo su pasado para llegar a su presente, un trayecto en busca de su
propia identidad como mujer y como madre.
Otra de las conclusiones a las que se
llega con el análisis fílmico es el desdoblamiento de la mujer sujeto
en el personaje femenino de Elle Driver, son dos mujeres
rubias, poderosas, guerreras, vengadoras, seductoras y atractivas, ambas aman a Bill y
sienten predilección por similares objetos de deseo, como las catanas, las
artes marciales, el mismo hombre, el mal. También las dos han sido discípulas
del maestro Pai Mei, en este sentido se aprecia la figura
del doble y un posterior desdoblamiento del personaje de Beatrix,
incluso en alguna escena aparece la pantalla dividida, mostrando a las dos
mujeres en pantalla y potenciando esta dualidad y este desdoblamiento
mencionado. Pero Elle estará identificada con un arquetipo de mujer
fatal femme fatale, su cabello ondulado y alborotado –similar al
de Pandora- y su canto en forma de silbido –en comparación al canto de las
sirenas- redundarán está caracterización que terminará con un destino
fatal. En cambio Beatrix es un ángel, una diosa, como ya se menciona en
varias secuencias a lo largo de la historia, tiene corazón y sentimientos,
entonces esta figura de desdoblamiento y del doble contrastará con el dualismo
presentado.
Kill Bill simboliza el final de un largo trayecto, el último objetivo de
la protagonista, el reencuentro con un gran amor –convertido en enemigo-, la
dualidad entre el bien y el mal, el amor y el odio. Matar a Bill es saldar la última cuenta de la mujer
protagonista, terminar con su “mala vida” y empezar de cero, habiéndose
adentrado en el significante mujer en sus distintas perspectivas; mujer
guerrera, mujer vengadora, mujer esposa, mujer hija, mujer alumna, mujer madre,
mujer amante, mujer investigadora y habiendo descubierto su identidad femenina
culminada con el encuentro de su bebé y el inicio de su maternidad –uno de sus
mayores objetos de deseo-.
Kill Bill propone un rompimiento consigo
mismo, las dos películas son un reflejo, una es el espejo de la otra. En el primer volumen se centra el viaje en una la
eliminación de sus objetivos, una gran masacre, una venganza violenta, pero en
el volumen dos abandona todo divismo y sorprende por su carácter sereno y
plácido, la venganza es aún mayor si cabe porque como bien dice en el primera
secuencia va a matar a Bill, pero será una venganza meditada, un final de viaje
inesperado. Considero
que es una secuela fusionada entre cine de género extremo, gore y cine de
autor, es un cine criminal autodidacta.
En el análisis fílmico, se llega a la
conclusión de la destacada importancia que tiene la perdida, no solo
para el relato sino para la protagonista. Ella es huérfana de padres o
al menos eso es lo que se presupone, sus padres o están muertos o ella ha sido
abandonada, ahí se muestra la soledad de la mujer sujeto. Bill llega
a ella como una salvación, es el padre que nunca tuvo –la diferencia de edad es
uno de los hechos notorios que muestran este aspecto- lo tiene
idealizado y lo ama, pero lo ama no solo idílicamente sino que siente ese deseo
pasional y sexual, algo más terrenal que hace que ambos enamoren y
tengan una relación, fruto de ese amor ella se queda embarazada. Pero aún
sintiendo el amor que siente hacia él nunca perdonará la masacre que hizo en el
ensayo de su futura boda y el tiro que le pego, por eso sentirá la
necesidad dentro de su ser de la venganza. Otra de las perdidas
destacadas es la de su bebé –recordemos que ella no es consciente de que su
hija vive, hasta el último momento del relato fílmico-, es una de las mayores
pérdidas que siente junto a la Bill.
Es una película de
gran complejidad argumental y belleza estética, con desmadrada violencia y un negrísimo
sentido del humor, lo que sirve para actualizar personajes y temas del noir y del western, a la vez que posee una estructura narrativa extraordinariamente elaborada,
con innovadores soluciones visuales e inspirándose en grandes clásicos. Y si algo he de destacar es que sin lujos ni excesos, se expone la visión de la aventura como un viaje
no solamente físico, también sensorial, anímico y moral. La mujer
protagonista realiza a lo largo de todo el trayecto fílmico un gran viaje
“personal” que le llevará a la búsqueda interna de su identidad femenina y al
ferviente deseo de la maternidad, algo sin duda de gran interés en el lenguaje audiovisual y cinematográfico que ayuda a constituir y a entender el imaginario colectivo social, cultural y femenino.
Disfrutar mucho y ser muy FELICES =)
Podéis seguirme en:
¡Demasiada hipocresía reinando por el mundo!
Hace unos días tuve la oportunidad de disfrutar de Dancer (2016) un increíble documental dancístico de Reino Unido que narra la historia, milagros, evolución y penurias del bailarín ucraniano Sergei Polunin, un talentoso portento de la danza clásica que en el momento en el que alcanza el cénit en el mundo del Ballet comienza a debatirse en una lucha interna entre su persona y su gran pasión. El hilo conductor del filme se focaliza en las constantes declaraciones de sus familiares y el material audiovisual de su infancia y adolescencia en el que se apoya a lo largo de toda la historia. Considerado un rebelde dentro de un estricto y disciplinado mundo y un rompedor en un mundo de gran tradición, el joven ucraniano se convirtió en el bailarín principal más joven de la historia del Royal Ballet de Londres, comenzando una carrera apoteósica conducida por su virtuosismo precoz y sin duda magistral.
Es un documental que mezcla distintos estilos pero en líneas generales está bien llevado a cabo en todos los aspectos -aunque quizás en el plano de desarrollo argumental se quede algo superficial-. Un artista que al desprenderse de su rigidez profesional se abre enteramente al mundo para expresar su arte, sus emociones y su trayectoria de la forma más personal y así en el 2015 crea su coreografía, con el popular tema Take Me To Church de Hozier. Un vídeo que se hizo viral y en el que pretendía demostrar un artista tan asombroso como torturado. En la maravillosa muestra coreográfica se presenta a un gran bailarín, con cierta madurez que ha sucumbido a la crudeza del mundo del Ballet con la valiente libertad personal de dejar que su pasión no le encadene ni le aprisione sino todo lo contrario... le libere de la mejor de las formas, bailando con toda su alma y siguiendo como única directriz sus libres y acompasados movimientos, en una anárquica muestra de que si se quiere, se puede.
